Principios del Diseño Gráfico: La Guía Completa para Dominar el Arte Visual
Los principios del diseño gráfico son las reglas que organizan elementos visuales para lograr equilibrio, legibilidad y comunicación visual efectiva. Aprender estos principios te permite construir jerarquía, organizar información y comunicar ideas con claridad en cualquier proyecto, desde identidad de marca hasta sitios web, usando referencias concretas de marcas argentinas y latinoamericanas.
No importa si trabajás con Illustrator, Photoshop, Canva o Figma: los principios del diseño gráfico son universales y atemporales. Son la diferencia entre un diseñador que ejecuta instrucciones y uno que toma decisiones visuales fundamentadas, explica su razonamiento a clientes y construye identidades visuales coherentes.
¿Qué Son los Principios del Diseño Gráfico?
Los principios del diseño gráfico son directrices sistematizadas que determinan cómo organizar, relacionar y jerarquizar los elementos visuales dentro de una composición. Funcionan como una gramática visual: así como el lenguaje tiene reglas para que las oraciones tengan sentido, el diseño tiene principios para que las composiciones sean efectivas, atractivas y comunicativas.
Estos principios no son arbitrarios. Escuelas de diseño como la Bauhaus —fundada en Alemania en 1919— y las principales facultades latinoamericanas, entre ellas la FADU-UBA y la Universidad de Palermo, los incorporan en sus planes de estudio como fundamentos obligatorios. Están basados en décadas de investigación sobre percepción visual y psicología cognitiva, y hoy son igualmente relevantes en el diseño digital, editorial y de identidad de marca.
Según un estudio de Lindgaard et al. (2006) publicado en Behaviour & Information Technology, los usuarios forman una primera impresión de un sitio web en solo 50 milisegundos. Esta rapidez de juicio aplica igualmente al diseño gráfico en general: la organización visual que percibimos antes de leer una sola palabra determina si seguimos mirando o descartamos la pieza.
¿Por Qué Es Fundamental Aprenderlos?
Entender los principios del diseño gráfico te permite:
- Tomar decisiones visuales fundamentadas, no basadas solo en el instinto
- Comunicar más eficazmente con clientes y equipos de trabajo
- Identificar y corregir problemas en tus propias composiciones
- Analizar el trabajo de otros diseñadores con ojo crítico
- Diferenciarte del diseñador amateur en un mercado cada vez más competitivo
Según el informe Latin American Design Industry 2023 de Creative Market, la demanda de diseñadores freelance creció un 27% anual promedio en Argentina, Chile, México y Colombia entre 2021 y 2023. En Argentina, un diseñador junior puede comenzar con ingresos de entre USD 400 y USD 700 mensuales en proyectos freelance, mientras que un senior especializado en branding o UI/UX puede superar los USD 2.000 mensuales trabajando con clientes regionales o internacionales. En ese contexto, el conocimiento profundo de los principios del diseño es lo que distingue al profesional que cobra por estrategia del que compite por precio con herramientas de autoservicio.
Los 12 Principios Fundamentales del Diseño Gráfico
1. Equilibrio
El equilibrio es la distribución visual del peso dentro de una composición. Cuando los elementos están bien equilibrados, el diseño se siente estable y armonioso. Cuando el equilibrio está roto, la composición puede sentirse tensa o difícil de procesar.
Existen tres tipos principales de equilibrio: simétrico, asimétrico y radial.
Equilibrio Simétrico
También llamado equilibrio formal, ocurre cuando los elementos se distribuyen de manera igual a ambos lados de un eje central. Se percibe como ordenado, clásico y confiable. Lo encontramos frecuentemente en diseños institucionales, logos de bancos y organismos gubernamentales.
Ejemplo local: El logo del Banco Nación Argentina utiliza simetría formal para proyectar solidez e institucionalidad. Esa simetría no es una decisión estética casual: comunica precisión y confianza antes de que el usuario lea una sola palabra. Lo mismo ocurre con el logo del Banco de la Provincia de Buenos Aires, donde el escudo central y la disposición tipográfica simétrica refuerzan la percepción de estabilidad histórica.
Equilibrio Asimétrico
Se logra cuando los elementos tienen diferente tamaño, forma o color, pero el peso visual total de cada lado es similar. Es más dinámico y moderno. Marcas jóvenes y publicaciones culturales suelen aprovechar la asimetría para proyectar vitalidad.
Ejemplo práctico: Una imagen grande a la izquierda puede equilibrarse con varios textos pequeños a la derecha, si los valores visuales —color, contraste, peso tipográfico— están bien calibrados. La identidad visual de Fernet Branca en sus campañas digitales recientes aplica exactamente este esquema: fotografía de producto dominante a la izquierda, texto breve y logo a la derecha, con equilibrio asimétrico que se siente energético sin resultar caótico.
Equilibrio Radial
Los elementos se distribuyen alrededor de un punto central, como los rayos de una rueda. Es menos común, pero muy efectivo para crear dinamismo y movimiento, especialmente en diseños de packaging e identidad de marca para productos artesanales.
2. Contraste
El contraste es la diferencia marcada entre dos o más elementos para hacerlos distinguibles y crear interés visual. Es uno de los principios más poderosos porque simultáneamente organiza la información y genera impacto estético.
El contraste puede aplicarse en múltiples dimensiones:
| Tipo de contraste | Ejemplo aplicado | Efecto visual |
|---|---|---|
| Color | Blanco sobre negro; amarillo sobre azul oscuro | Alta legibilidad, impacto inmediato |
| Tamaño | Titular de 48pt junto a cuerpo de 14pt | Jerarquía clara |
| Forma | Formas orgánicas junto a formas geométricas | Tensión dinámica |
| Tipografía | Serif clásica junto a sans-serif moderna | Sofisticación y modernidad |
| Textura | Superficie rugosa junto a superficie lisa | Profundidad y carácter |
El contraste también es una herramienta de accesibilidad. Las pautas WCAG (Web Content Accessibility Guidelines) establecen que el contraste mínimo entre texto y fondo debe ser de 4.5:1 para textos normales y 3:1 para textos grandes. Ignorar esto puede hacer que tu diseño sea ilegible para personas con baja visión, un aspecto crítico en el diseño de interfaces públicas y gubernamentales.
Ejemplo local: La identidad visual de Mercado Libre utiliza el contraste entre el amarillo institucional (#FFE600) y el azul oscuro (#2D3277) para crear legibilidad y energía al mismo tiempo. Esa combinación cromática es reconocible en toda Latinoamérica porque el contraste está calibrado para funcionar en pantallas, impresos y publicidad exterior con igual eficacia.
Consejo práctico: Antes de finalizar cualquier diseño, convertilo a escala de grises. Si los elementos siguen siendo distinguibles entre sí, el contraste es suficiente. Si todo se funde en un mismo tono gris, necesitás revisar los valores de luminosidad.
3. Jerarquía Visual
La jerarquía visual organiza los elementos de una composición según su importancia, guiando la mirada del espectador en un orden determinado. Es el principio más crítico para el diseño de comunicación efectiva. Sin jerarquía, todos los elementos compiten por la atención y el resultado es caos visual.
Herramientas para crear jerarquía visual
| Herramienta | Cómo funciona | Aplicación práctica |
|---|---|---|
| Tamaño | Los elementos más grandes se perciben como más importantes | Titular 48pt domina sobre subtítulo 24pt |
| Color | Los colores saturados atraen más que los neutros | CTA en rojo sobre fondo gris |
| Posición | La mirada occidental comienza en esquina superior izquierda | Logo y titular en zona de máxima atención |
| Peso tipográfico | La negrita se percibe como más importante que la regular | Datos clave en bold |
| Espacio negativo | Rodear un elemento con vacío lo aísla y jerarquiza | Botón de acción con margen generoso |
La investigación de Nielsen Norman Group muestra que los usuarios escanean las páginas web en patrones de lectura en forma de F o Z, no las leen linealmente. En una pieza publicitaria, la jerarquía típica funciona así: imagen principal → titular → subtítulo → cuerpo de texto → call to action. Cada nivel debe ser visualmente distinguible del anterior, con al menos un 30% de diferencia de tamaño entre jerarquías consecutivas para que el contraste sea perceptible.
4. Alineación
La alineación establece que los elementos deben tener una relación visual con otros elementos de la composición. Nada debe estar colocado «al azar» en un diseño. Incluso cuando la disposición parece libre, los elementos profesionales siempre se alinean con algo: un margen, una grilla, otro elemento.
El diseñador Robin Williams popularizó este concepto en su libro The Non-Designer’s Design Book, un texto fundamental que todo diseñador hispanohablante debería conocer.
Tipos de alineación
- Alineación al margen izquierdo: La más natural para culturas con escritura de izquierda a derecha. Crea líneas invisibles claras y facilita la lectura.
- Alineación al margen derecho: Menos común, útil para crear tensión y dinamismo en diseños editoriales.
- Alineación central: Funciona bien para titulares, invitaciones formales y elementos únicos. Puede volverse torpe en bloques de texto largos.
- Alineación justificada: Común en periódicos y libros. Crea un bloque de texto limpio, pero puede generar espacios irregulares entre palabras si no se controla la separación silábica.
Consejo práctico: Usá las guías y grillas de tu software de diseño para asegurarte de que cada elemento esté alineado con algo. Los «casi alineados» generan una sensación de descuido que el usuario percibe aunque no sepa identificarla. En Figma, activá Smart Guides y configurá una grilla de 8px para mantener consistencia en toda la composición.
5. Proximidad
La proximidad establece que los elementos relacionados entre sí deben estar físicamente cerca en la composición, mientras que los no relacionados deben estar separados. Este principio proviene directamente de la Ley de Gestalt de la proximidad: el cerebro humano agrupa automáticamente los objetos cercanos y los percibe como una unidad.
Ejemplo práctico: En una tarjeta de visita, el nombre y el cargo deben estar juntos porque son datos relacionados. Los datos de contacto —correo electrónico, teléfono, LinkedIn— conforman un segundo grupo. El logo y la paleta de marca constituyen un tercer grupo. Si estos datos estuviesen dispersos por toda la tarjeta sin agrupación lógica, el diseño se volvería confuso y la lectura fragmentada.
Ejemplo local con atributos específicos: Las tarjetas de presentación de estudios de arquitectura reconocidos en Argentina agrupan con claridad:
- Portfolio visual (imágenes de obras destacadas o código QR hacia el portfolio digital): zona superior o lateral derecho
- Datos de contacto (nombre completo, cargo, correo electrónico, teléfono): zona central o inferior
- Identidad de marca (logo y paleta de colores institucional): zona superior izquierda o reverso
Esta separación en zonas mejora la legibilidad y el reconocimiento profesional inmediato, transmitiendo jerarquía y organización antes de que el cliente lea un solo dato.
6. Repetición y Consistencia
La repetición indica que los elementos visuales deben reproducirse a lo largo de una composición o sistema de diseño para crear unidad y coherencia. En diseño editorial, de marca o web, es la base de la identidad visual.
La repetición funciona con:
- Paletas de colores corporativas consistentes en todas las piezas
- Familias tipográficas definidas para titulares, subtítulos y cuerpo de texto
- Elementos gráficos recurrentes (formas, iconos, líneas) que identifican la marca
- Espaciados regulares entre secciones y márgenes (el sistema de 8px es el estándar en UI)
- Estilos fotográficos consistentes en tono, paleta y encuadre
¿Por qué es tan importante? Porque la repetición construye reconocimiento de marca. Mercado Libre —con el amarillo #FFE600, la tipografía Proxima Nova y el ícono de caja— y Naranja X —con el naranja vibrante y las formas redondeadas— son ejemplos de sistemas de identidad visual donde la repetición de color, tipografía y forma hace que cualquier pieza de comunicación sea reconocible de manera instantánea, incluso fuera de contexto.
7. Espacio Negativo (o Espacio en Blanco)
El espacio negativo es el área de la composición que no está ocupada por ningún elemento activo. Muchos diseñadores principiantes lo ven como espacio «desperdiciado» y tratan de llenarlo. Este es uno de los errores más comunes y costosos en el diseño.
El espacio negativo cumple funciones fundamentales:
- Mejora la legibilidad: Los textos con suficiente espacio alrededor son más fáciles de leer
- Crea énfasis: Un elemento rodeado de espacio vacío se destaca automáticamente
- Transmite sofisticación: Las marcas de lujo utilizan abundante espacio negativo para comunicar exclusividad
- Reduce la carga cognitiva: Los diseños con menos elementos son más fáciles de procesar
Ejemplo con contexto específico: El logo actual de Apple, utilizado desde 1999, consiste únicamente en la silueta de una manzana monocromática —blanca, plateada o negra según el soporte— sobre fondo neutro, sin texto adicional. Esta elección de espacio negativo comunica elegancia, minimalismo y modernidad, en contraste directo con versiones anteriores al rediseño de Steve Jobs, que incluían el arcoíris de colores y mayor complejidad visual. En el contexto local, la marca de vinos Zuccardi Valle aplica el mismo principio en sus etiquetas premium: fondo blanco dominante, tipografía mínima y abundante aire alrededor del nombre, diferenciándose visualmente de las etiquetas masivas del mercado que saturan cada centímetro disponible.
Consejo práctico: Si tu diseño parece vacío, antes de agregar más elementos verificá que el espacio negativo alrededor de cada sección clave sea al menos equivalente a la altura de una línea de texto. Ajustá el espacio, el tamaño o el color de los elementos principales y evaluá si mejora el enfoque visual antes de agregar cualquier elemento nuevo.
8. Color
El color es uno de los elementos más poderosos y complejos del diseño gráfico. Tiene dimensiones físicas (tono, saturación, luminosidad), psicológicas (emociones y asociaciones culturales) y técnicas (RGB para pantallas vs. CMYK para impresión).
Conceptos fundamentales del color
- Tono (Hue): El color en sí mismo: rojo, azul, verde, amarillo
- Saturación: La intensidad del color. Un color muy saturado es vívido; uno poco saturado se acerca al gris
- Luminosidad (Value): Qué tan claro u oscuro es un color
Psicología del color en Latinoamérica
Las asociaciones culturales del color varían según el contexto geográfico y cultural. En Argentina y gran parte de Latinoamérica, estas son las asociaciones más establecidas y su aplicación en marcas reconocidas:
| Color | Asociación cultural | Marcas locales que lo usan |
|---|---|---|
| Azul | Confianza, profesionalismo, tecnología | Banco Nación, Mercado Libre, Personal |
| Rojo | Energía, urgencia, ofertas | Coca-Cola Argentina, OLX, Claro |
| Verde | Naturaleza, salud, dinero | Jumbo, Banco Galicia (en su identidad renovada) |
| Amarillo | Alegría, optimismo, visibilidad | Mercado Libre, McDonald’s Argentina |
| Negro | Elegancia, sofisticación, lujo | Zuccardi Gran Terroir, Trapiche Iscay |
| Naranja | Creatividad, energía, asequibilidad | Naranja X, Rappi |
Diferencia técnica clave: Cuando diseñes para impresión, trabajá en modo CMYK y verificá los colores en una prueba física antes de imprimir la tirada completa. Los colores RGB de pantalla no se reproducen fielmente en CMYK, especialmente los naranjas intensos y los azules eléctricos.
9. Tipografía
La tipografía es el arte de organizar el texto de manera que sea legible, atractivo y coherente con el resto de la composición. Es un campo entero del diseño en sí mismo, pero conocer sus principios básicos es imprescindible para cualquier diseñador gráfico.
Clasificación tipográfica básica
| Categoría | Ejemplos | Uso recomendado | Asociación |
|---|---|---|---|
| Serif | Garamond, Georgia, Times New Roman | Cuerpo de texto impreso, titulares de lujo | Tradición, autoridad, elegancia |
| Sans-serif | Helvetica, Open Sans, Inter | Interfaces digitales, señalética | Modernidad, neutralidad, claridad |
| Display/Decorativa | Playfair Display, Bebas Neue | Solo titulares, nunca cuerpo de texto | Variable según diseño |
| Monoespaciada | Courier, JetBrains Mono | Código, contextos técnicos | Precisión, tecnología |
Reglas tipográficas fundamentales
- Máximo 2-3 familias tipográficas por proyecto. Más de tres genera caos visual sin ningún beneficio comunicacional.
- Contraste tipográfico: Combiná una serif con una sans-serif para crear jerarquía visual clara. Por ejemplo: Playfair Display (serif) para titulares + Inter (sans-serif) para cuerpo de texto.
- Interlineado adecuado: El ideal para texto corrido es aproximadamente 1.4 a 1.6 veces el tamaño de la fuente. Para una tipografía de 16px, el interlineado debería ser entre 22px y 26px.
- Longitud de línea: Para máxima legibilidad, cada línea debería tener entre 45 y 75 caracteres. Líneas más largas obligan al ojo a buscar el comienzo de la siguiente línea y aumentan los errores de lectura.
Referencia imprescindible: Thinking with Type de Ellen Lupton —disponible en español como Pensar con tipos— es la referencia tipográfica más utilizada en las cátedras de la FADU-UBA y la Universidad de Palermo. Si solo podés comprar un libro sobre diseño este año, que sea ese.
10. Ritmo y Movimiento
El ritmo en diseño gráfico es la sensación de movimiento que surge de la repetición y variación de elementos a lo largo de la composición. Así como en la música el ritmo crea una experiencia temporal, en el diseño crea un recorrido visual que guía al espectador de manera intencional.
El movimiento puede crearse mediante:
- Líneas y formas que guían la mirada hacia puntos focales específicos (una flecha diagonal, una línea curva que apunta al CTA)
- Gradientes y degradados que crean profundidad y dirección
- Secuencias de elementos que aumentan o disminuyen de tamaño progresivamente
- Repetición con variación que mantiene el interés sin generar caos
Ejemplo aplicado: Las campañas visuales de Spotify en Argentina y Latinoamérica utilizan ritmo visual intenso: tipografías que varían en tamaño de manera progresiva, colores que gradúan su saturación y formas que se repiten con variaciones de escala, creando una sensación de energía que es coherente con el producto musical que representan.
11. Proporción y Escala
La proporción se refiere a la relación de tamaño entre los diferentes elementos de una composición. Una de las proporciones más conocidas es la proporción áurea (aproximadamente 1:1.618), que aparece en la naturaleza y ha sido utilizada por artistas y arquitectos desde la Antigüedad.
En diseño moderno, la regla de los tercios es una versión simplificada y de aplicación inmediata: dividir la composición en nueve partes iguales y ubicar los elementos principales en las intersecciones de esas líneas. Es una herramienta concreta para fotógrafos, diseñadores editoriales y creadores de contenido.
Consejo práctico: Para diseño digital, establecé una escala tipográfica basada en el módulo 8 (múltiplos de 8px: 8, 16, 24, 32, 48, 64). Este sistema es el estándar en diseño de interfaces porque facilita la consistencia en sistemas complejos y genera proporciones armónicas de manera matemáticamente predecible. Figma, Adobe XD y Sketch tienen grillas de 8px preconfiguradas que podés activar desde el inicio de cada proyecto.
12. Unidad
La unidad es el principio que reúne a todos los demás. Una composición tiene unidad cuando todos sus elementos trabajan juntos para crear un todo cohesivo y coherente. Es el resultado de aplicar correctamente el equilibrio, el contraste, la jerarquía, la alineación, la proximidad y la repetición.
Un diseño con unidad se «siente» completo. Un diseño sin unidad se siente fragmentado o amateur, incluso si no podemos identificar exactamente qué está fallando. La unidad no se agrega al final: es la consecuencia natural de haber aplicado bien los once principios anteriores desde el comienzo del proceso.
Los Principios de la Gestalt y su Relación con el Diseño Gráfico
La psicología de la Gestalt, desarrollada en Alemania a principios del siglo XX por Max Wertheimer, Wolfgang Köhler y Kurt Koffka, estudia cómo el cerebro humano percibe y organiza la información visual. Sus leyes son el fundamento científico de por qué los principios del diseño funcionan.
| Ley de Gestalt | Definición | Aplicación en diseño |
|---|---|---|
| Proximidad | Elementos cercanos se perciben como grupo | Agrupar datos relacionados en tarjetas o secciones |
| Semejanza | Elementos similares se perciben como grupo | Íconos del mismo estilo forman un sistema coherente |
| Continuidad | El ojo sigue una línea aunque se interrumpa | Flechas, líneas y formas que guían hacia el CTA |
| Cierre | El cerebro completa formas incompletas | Logos con formas abiertas que el ojo «cierra» |
| Figura-fondo | Percibimos figura (lo que miramos) y fondo (contexto) | Espacio negativo que crea formas secundarias |
| Pregnancia | El cerebro prefiere la interpretación más simple | Logos simples son más recordados y más versátiles |
Entender las leyes de la Gestalt te permite anticipar cómo el espectador va a percibir tu diseño antes de mostrárselo a nadie, una habilidad que los diseñadores senior utilizan permanentemente en sus procesos creativos y en sus presentaciones a clientes.
Cómo Aplicar los Principios del Diseño Gráfico en Proyectos Digitales
Los principios del diseño gráfico son igualmente relevantes en el mundo digital. En el diseño web y de interfaces (UI/UX), tienen un impacto directo en la experiencia del usuario y en métricas de negocio concretas como la tasa de conversión y el tiempo de permanencia.
Diseño Web y Landing Pages
En el diseño de landing pages, la jerarquía visual es fundamental para guiar al usuario hacia el call to action (CTA). Los usuarios escanean las páginas en patrones de lectura en forma de F o Z, no las leen linealmente. Aplicar los principios de jerarquía y contraste correctamente puede aumentar significativamente las tasas de conversión: según datos de HubSpot (2023), las landing pages con jerarquía visual clara y un único CTA prominente convierten hasta un 220% más que las páginas con múltiples elementos de igual peso visual.
Ejemplo local: La landing page de Tiendanube, plataforma de e-commerce con fuerte presencia en Argentina y Brasil, aplica jerarquía visual en tres niveles: titular grande que comunica el beneficio principal → párrafo breve con prueba social (número de tiendas activas) → botón de CTA con contraste alto. El espacio negativo generoso entre secciones reduce la fricción cognitiva y guía al usuario hacia el registro sin confusión.
Diseño de Redes Sociales
En plataformas como Instagram, TikTok o LinkedIn, el contenido compite por la atención en un feed saturado. Las reglas que aplican son específicas:
- Instagram: El contraste alto y la jerarquía tipográfica clara determinan si una pieza se detiene el scroll en los primeros 2 segundos
- LinkedIn: El espacio negativo y la tipografía legible en mobile son críticos, ya que más del 70% del tráfico es móvil
- TikTok: El ritmo visual —cómo los elementos cambian y se mueven— es el principio dominante
Los creadores de contenido y community managers que entienden estos principios producen piezas con mayor tasa de engagement, no por suerte sino por diseño intencional y fundamentado.
Diseño de Contenido para SEO
Los artículos bien estructurados visualmente, con jerarquía tipográfica clara (H1, H2, H3), espacio negativo suficiente, imágenes bien posicionadas y una lectura fluida, tienen mejor rendimiento tanto en experiencia de usuario como en posicionamiento orgánico. Herramientas como SearchAtlas permiten analizar cómo los elementos visuales y estructurales de una página impactan en el SEO: su Content Optimizer identifica oportunidades para estructurar mejor el contenido de manera que sea más atractivo tanto para los usuarios como para los motores de búsqueda.
Cómo Elegir Qué Principio Priorizar Según Tu Público Objetivo
Una pregunta frecuente entre diseñadores en formación es: ¿cuándo priorizo el contraste sobre la unidad? ¿Cuándo el equilibrio simétrico es mejor que el asimétrico? La respuesta siempre depende del público y el objetivo de la comunicación.
| Público objetivo | Principios prioritarios | Por qué |
|---|---|---|
| Consumidores jóvenes (18-30) en redes sociales | Contraste, ritmo, jerarquía | Entorno saturado, decisiones visuales rápidas |
| Ejecutivos corporativos | Equilibrio, unidad, espacio negativo | Ambiente de lectura tranquilo, búsqueda de confianza |
| Clientes de productos premium | Espacio negativo, proporción, tipografía | La exclusividad se comunica con lo que no se muestra |
| Usuarios de interfaces digitales | Alineación, jerarquía, proximidad | La usabilidad depende de la organización clara |
| Lectores de contenido editorial | Tipografía, ritmo, equilibrio | La lectura prolongada requiere comodidad visual |
Esta tabla no es prescriptiva: todos los principios se aplican siempre. Pero saber cuáles priorizar en el proceso de decisión te ayuda a resolver conflictos cuando no podés hacer todo a la vez.
Los Errores Más Comunes al Aprender los Principios del Diseño Gráfico
Conocer los principios es solo el primer paso. Aplicarlos correctamente requiere práctica y observación crítica. Estos son los errores más frecuentes en diseñadores principiantes en Argentina y Latinoamérica:
1. Usar demasiadas fuentes tipográficas
El error clásico: usar cinco tipografías diferentes en un mismo diseño pensando que eso lo hace más creativo. En realidad, lo hace caótico. Limitarte a dos, máximo tres familias tipográficas por proyecto genera más sofisticación que cinco fuentes mezcladas sin criterio.
2. Ignorar el espacio negativo
Llenar cada centímetro de la composición con elementos es una señal de inseguridad, no de creatividad. Antes de agregar cualquier elemento nuevo, verificá que el espacio negativo existente esté siendo usado con intención.
3. Jerarquía poco clara
Si todo grita, nadie escucha. Decide cuál es el elemento más importante en tu composición y dale una ventaja visual clara: al menos el doble de tamaño que el siguiente nivel jerárquico.
4. Mal uso del color
Definí una paleta de 3 a 5 colores con roles claros: color principal, color secundario, color de acento y neutros. Usala consistentemente en todas las piezas del proyecto y documentala con los códigos HEX y CMYK correspondientes.
5. Alineación descuidada
Activá las grillas desde el primer segundo de tu proceso de diseño, no como último paso de verificación. La alineación es una decisión de estructura, no de ajuste cosmético.
6. Ignorar la audiencia y el contexto cultural
Un diseño para consumidores jóvenes en Buenos Aires debe ser diferente a uno para ejecutivos corporativos en Monterrey, aunque ambos apliquen los mismos principios fundamentales. Los colores,